观书画展有感

观书画展有感
观展有感

近日,从苏州、兰州、张掖等地看了好几个书画展览,看展过程中有人问我什么是雅俗共赏,是不是个伪命题,我想就这个问题谈谈浅薄的认识和看法。

我举个例子:苏州伊山湖美术馆办了一个展,里面展了一幅何家英的作品,好多人反复观赏,看后爱不释手,我们便与策展方联系,欲对这幅作品进行收藏,主管领导说这幅画早已有主,价格三百万。我说可否联系作者再给一幅我们收藏,答复是三年内不会拿到作品的。为什么?好画家的作品数量有限,根本无法满足广大藏家和爱好者的需求,原因是这些作品人见人爱,通俗易懂,作品未来价值肯定不菲,挂在哪里都融入自然,无论厅堂还是小居均蓬荜生辉,不管贫贱富贵都赏心悦目,这样的作品我认为就是雅俗共赏之大作,古往今来,无论书还是画,经过时间的沉淀留给世界的都是雅俗共赏之作,郑板桥、吴昌硕、齐白石等古代近代现代的书家画家无一不是,而这些人的作品拿到现在来入展恐怕很难,就王羲之的《兰亭序》也未必能获”兰亭奖”。

真正流传于世的作品是雅俗共赏的作品。雅俗共赏”,顾名思义是指:各种文化程度和艺术品位的人都能欣赏,甚至是指有学问、知识的雅士和没文化、没学问的俗人在欣赏书画艺术品时都能得到美的感受,故而称之。“雅俗共赏”是一个成语,“共赏”显然是“共欣赏”的简化,就是形容某些艺术创作优美通俗,既能登大雅之堂又能挂百姓中堂,理论上有支撑、学术上有创新、专家喜欢、藏者喜欢、百姓也喜欢。雅俗共赏”并非打倒旧标准,只是要求那些“雅士”理会到或迁就些俗士的趣味,但也非树立新标准,而是追求本真、师法自然的东西,这“真”本就是自然的意思,自然才亲切,才让人容易懂,也就是更能收到化俗的功效,更能获得广大群众的认可。

但现在的有些展览,一进展厅写意作品寥寥无几,满目都是工匠精神,形式、材料、方法无所不用……,好多作品完全偏离了中国写意画的灵魂,我们不能否认它的存在,但至少已不能叫中国写意画,而是一种匠心独具的新型美术作品,导致这种情况的原因有很多,但最主要的原因是坚持写意精神的人越来越少,为什么?因为中国写意画太难了,不是动一动笔就能画出来的,也不是上几年学就能学出来的,更不是拜个师就能成为画家的,作为一个书画家,对大势开合、构图布局、水墨把控,用笔法度、墨彩协调、题款落印等各个方面要求极高,均要做到胸有成竹,才能下笔成章,这就要求画家要倾注一生的心血去临摹学习研究创作,有些画家甚至一辈子都没有大的成果,所谓一生兰半生竹、废画三千就是这个道理,如白石老人画虾,就单一只虾来讲,把它解抛开看,大小长短一共需要44笔之多,而且每一笔之间的前后顺序关系等,只有把它研究清楚了,才知道为何把六节虾去掉一节,为何只留五只爪,为何把眼睛从点变成短线,如此才能明白白石老人衰年变法的实质!

观书画展有感
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《月雅艺术》曾讲:“在中国千百年的绘画传统里,最能体现中华民族阳刚大气的民族精神、最能体现博大精深民族文化传统的绘画形式,当属中国写意绘画。但自上世纪90年代起,在各大美展中,工笔绘画所占比例越来越大,而写意绘画则越来越少,能称得上精品的更是寥寥可数。这种情况可以说是愈演愈烈。照此态势发展下去,写意绘画的创作与发展将面临着断代的危机。“写”的传统正在逐渐消失,这对中国画的发展是一个危险的信号。如果缺失了写意的精神和写意的面貌,那么中国画将失去自己的精彩,也将失去屹立于世界艺术之林的独特地位。

中国写意绘画具有独特而完整的表现体系和形式体系。它是中国文化的表征,是民族文化精神的视觉图像,是世界绘画中的东方代表。写意绘画在其发展流变中涌现出了众多大家,如人物画家石恪、梁楷、任伯年,花鸟画家徐渭、“扬州八怪”、八大山人、齐白石、潘天寿,李苦禅以及山水画家石涛、张大千、黄宾虹、傅抱石等等。写意绘画作为中国画家表达思想感情、审美心性,发挥笔墨语言表现力的一门艺术,无论是从中国画历史的延续性,还是从画路的广博性上讲,都远远没有走到尽头,而且也不可能走到尽头。毕竟它作为民族文化的精粹,自身有着强大的生命力,有着继续往前发展的开拓空间。

但我们要追问的是:为什么写意绘画在此前的几百年间出现了那么多的大师、得到了那么大的发展、取得那么辉煌的成就,而在我们这一代,特别是在20世纪90年代开始会走下坡路,会面临断代的危机呢?我们这一代人到底为写意绘画的发展做了什么?身处太平盛世、由国家和人民养育起来的画家们如何去向前人、世人交代?面对这些问题,任何一个有一点艺术良心、对民族文化发展有一点责任感的人,都会深感忧虑与痛心。我认为,造成当前这种状况的因素是非常复杂的:既有艺术本体的认识把握和发展创新存有难度的问题,也有经济大潮的冲击与大众文化的低俗化趋向所造成的影响,还涉及到引导、管理机制及艺术圈之外因素的干扰等。”现在好多作品采用现代形式、现代方法、现代科技、现代工艺、现代材料、加上工匠精神制作成现代美术作品,适应现代社会快节奏的需要,价值取向趋同急功近利走捷径,以达到短期出效果,满足各种需求。

书法的最高境界应该是什么样的呢?我想也应该是“雅俗共赏”!证据是,书圣王羲之的书法,不懂书法的人看着也认为好看,懂书法的人也感觉喜欢,高深造诣书法家会爱不释手,这就是所谓的“雅俗共赏”。

最好的书法首先大家都认为是好看的,“雅俗共赏”的。书法是视觉艺术,一件好的书法作品首先要有视觉美感,到了最高境界,就会出现交响音乐的节奏感。书法是有层次的,是分里层与外层的。俗话说:“行家看门道,利巴看热闹。”说的就是层次,好看就是表层,门道就是内层。不同层次的人看到的也不同,不同的时代、不同的文化背景也有着不同的认识、不同的理解。如老百姓看到的是表层,结构匀称、线条流畅,像绿叶丛中一点红,吸引着眼球,凭的就是直觉感受。而学者和书家看着也好看,不过又多了一层是往里看,他不仅仅看到了外层,更主要的是看到了内层,看到了它的内涵。如运笔的大小动作转变,用墨的浓淡干湿变化,章法的大势开合布局,题款的字体法度要求,盖印的阴阳大小间距,装裱的天头地尾留白等等,字内字外功夫均达到了表里统一、雅俗共赏的最高境界。有些展品,越小的作品越要讲求一丝不苟,比如运笔动作的不协调导笔笔之间、字字之间有火气,个别创新的笔画定位不十分精准,略有一点不舒服的感觉,王书的方折、圆劲、坚韧、清润,见筋骨,这些特点应该是顺其自然的结果。其次,有些书画家盖印也不讲究,两方印章阴阳颠倒,印矩缺乏斟酌;另外,草书要做到点画飞动、用腕自如,平中求奇、险中求逸、曲中求直、斜中求正,行笔疾速如暴风骤雨,酣畅淋漓、飒爽舒然、顺其自然、豪爽流宕,通篇有强烈的交响音乐节奏感,然能达此境者也需要一生的修炼和各种字内功夫和字外的绘画、音律、诗词歌赋、儒释道学、玄学等综合素养。如王书之筋骨之说,导源于人体之美。而人之气节禀性,高迈超脱,则谓风骨矣。王羲之所处时代,正是玄学、佛学兴盛之世。当时文人,不满时世纷乱,而力避社会,隐迹山林,寻欢作乐,以求超越人生之有限而达到无限——自由之境地。这种超然物外,追求潇洒放浪的精神意旨,同样被文人们表现在各自的艺术创作之中;王羲之《兰亭集序》,从文学角度看便充满了对人世、命运的慨叹,书法艺术则不拘成法,点画随心所欲,结字率意多变。当然,文人骨子里的气节俱在。观王书手札,如《初月帖》、《频有哀祸帖》、《得示帖》等,皆落笔风雨,不拘一格,而点画俱佳。这种不经意而皆精心的创构,正是魏晋文人功力弥深,又向往自由、自然的心灵写照;另外,王羲之作品之中蕴含的文化与美学情愫,后人的亦步亦趋则多少有些粗浅与守成。文人自有追求雅的心态与目标,但并非只有温文才能成雅。文人本性更多属于艺术家,而非政治体制下唯命是尊的信士与工具。故如从温文尔雅的角度看王书手札的奇峻与跳掷则似不能对应,尽管王书的奇峻与跳掷之中不乏正气与规则。”

当今学王书家,其实大多承继了孙(过庭)、赵(孟頫)、董(其昌)及《阁帖》使转之法,而于唐摹本王书手札、《集王圣教序》之骨力多不能及。

近年来,各类大展的评奖导向偏差、评判标准模糊等是书画界热议的话题。在当下的现实环境和艺术生态中,大展成为直接影响大部分书画家往哪个方向走的风向标。为“冲奖”而专门揣摩评委的心理、审美角度,去精心打磨一幅作品,成为国家级大展中出现的一种较为普遍的现象;而走马观花式的评奖方式也会导致繁密丰富、精雕细琢、个性视觉冲击力大的作品给评委留下较深刻的“第一印象”。而且这种评选机制,注重了个性差异化,容易使真正有精神思想内涵、有笔墨、有创造性的作品被拒之门外。

所以我们在苏州办展,不论是书还是画,凡是带有工艺性质,反复涂抹、娇揉造作,或过份追求形式,抛弃写意精神的作品全部拿下,这样才能有藏家问鼎的局面,才有繁盛实际的效果,才有了有价有市的交易。

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